Ritratto di moda

Bentornati!
Nel post di oggi vi parleró di un nuovo progetto consegnatoci dal prof. Manfredini che consiste nel arrivare ad avere 3 tipologie di foto.
La prima tipologia che abbiamo fatto, come dice il titolo del post, è il ritratto di moda, ovvero scegliere un modello, con uno stile di abbigliamento selezionato, e collocarlo in un contesto che sia in sintonia con esso, che si addica all’abbigliamento.

La mia scelta è stata quella di prendere un soggetto e raffigurare lo stile di abbigliamento sportivo, ma anche un po’ quotidiano;
Il progetto è stato diviso in tre fasi:
• l’ideazione: che risponde alla domanda “cosa voglio raccontare?”, ovvero scegliere uno stile di abbigliamento e associarlo ad uno stile di vita;
• progettazione: che risponde a “come mi organizzo?”, ovvero ottenere il risultato sperato mettendo in relazione il soggetto con il suo stile di abbigliamento con la location adatta e procurarsi una macchina fotografica;
• riprese: risponde a “come racconto la mia storia?”
A questo punto in questa ultima fase abbiamo altri punti da seguire, per dividere il nostro lavoro in 4 punti, per non ottenere tutte foto uguali e per far rendere bene l’idea:
- contesto: soggetto che guarda in camera posizionato nell’ambiente;
- caratteristiche principali: c’é il rapporto soggetto-ambiente, far vedere il prodotto e il tipo di abbigliamento che vogliamo pubblicizzare;
- dettagli: inquadratura più stretta su un dettaglio di un capo;
- atmosfera: è presente il soggetto che compie in azione nel contesto
• editing: risponde a “quante e quali fotografie scelgo?” Una volta selezionate, ne scegli 12 (3 per ogni categoria), sceglierne poi 1 per ogni categoria e infine una sola che rappresenti tutto.
• post-produzione: “come ottimizzo le mie foto?” Utilizzando software adatti a migliorare la composizione dell’immagine e i toni, a seconda anche della destinazione d’uso.

Ecco a voi il mio primo progetto!

Contesto

Dettagli

Atmosfera

Caratteristiche principali

Copertina diario

Ciao a tutti e bentornati nel mio blog!

Nel post di oggi vi parleró di un lavoro che viene assegnato ogni anno alle classi terze del nostro corso di grafica, che consiste nel creare una copertina (fronte e retro) del diario scolastico.
Ognuno creare il proprio diario a piacere, inirente alla scuola ovviamente che comprenda l’istituto Carlo D’arco e Isabella D’este, verranno scelti poi i migliori e in base alle votazioni fatte verrà scelto il lavoro migliore che diventerà poi il nuovo diario dell’anno scolastico successivo.

Le idee possono essere davvero tante, è preferibile non utilizzare fotografie, ma magari prendere spunto da delle immagini e ricomporle a modo nostro a seconda dell’idea che ci siamo fatti utilizzando Photoshop o Illustrator.

Si parte con la ricerca delle immagini e si inizia a buttare giù qualche schizzo, in modo tale da crearsi una bozza o anche più di una, successivamente ricrearle a computer, come ho detto prima utilizzando gli appositi software.

La mia idea era quella di ricreare l’immagine di un gufo, che in sè rappresenta la saggezza, raffigurato con degli occhiali, per dare l’idea dello studio e dell’intelligenza.
Ho utilizzato Illustrator perché a mio parere è il migliore per creare questo tipo di lavoro, successivamente ho usato lo strumento penna per creare il tracciato del gufo da mettere in primo piano in copertina, insieme al testo già impostato.
Nel retro della copertina invece altre immagini create da me messe in trasparenza, in modo da dare più importanza al testo, e non fare sembrare il tutto troppo “incasinato”.

Ecco a voi il mio lavoro!

Elementi del linguaggio fotografico

Bentornati!
Come potete leggere dal titolo del post, vi spiegheró quali sono gli elementi del linguaggio fotografico, ovvero gli elementi per la lettura stilistico/linguistica di un’immagine fotografica:
1. La composizione:
  -scelta del soggetto → soggetto, interazione soggetto/contesto, int. soggetto/persone;
  -inquadratura → posizione sogg., porzione campo, taglio orizzontale/verticale;
  -punto di vista → laterale o frontale, posizione macchina fotografica rispetto al soggetto;
  -linee guida → linee pilota, linee prospettiche.
2.  La luce:
  -diffusa
  -spot
  -controluce
3. Il colore:
  -bianco e nero
  -colore → colori caldi/freddi/accostamento caldi e freddi
  -alta saturazione/bassa saturazione

Regola dei terzi

Ciao a tutti belli e brutti ☀️
Oggi vi parlo di un’aaaaltra esercitazione basata sulla regola dei terzi.
“Cheee cos’è la regola dei terziii???”😦
Semplicemente, una regola utilizzata per la composizione delle immagini da cui deriva la sezione aurea: un concetto matematico in auge da moltissimo tempo, ed é il rapporto tra due grandezze diverse, che da come risultato 1,618.

La regola dei terzi è composta da delle linee e da dei punti di forza.
Le linee di forza vengono impiegate in due modalità diverse:
- il soggetto viene collocato su una o più linee
- le linee suddividono lo spazio in tre parti orizzontali e tre verticali, all’interno delle quali i soggetti vengono suddivisi.
Mentre i punti di forza costituiscono dei punti di riferimento su cui collocare un soggetto o parte di esso.

Teoria del campo

Ciao a tutti e bentornati nel mio blog💗

Oggi vi spiego un’esercitazione giá più interessante rispetto a quella precedente, che si basa su una teoria della Gestalt, messa a punto da Attilio Marcolli, per la quale la nostra percezione avviene per modelli dominanti, per configurazioni che si sono formate man mano nella nostra mente.

Dunque questa è la teoria del campo, in cui “CAMPO” é considerato un insieme di elementi, un territorio, una zona delimitata in cui avvengono certi fenomeni o comportamenti, ed é un limite entro il quale valgono certe regole.

Anche essa si basa su punti e linee, le quali composizioni ci inducono ad elaborazioni di tipo logico-formale. Esempio: linea orizzontale=da senso di orizzontalitá.

Ecco a voi alcune mie foto!

super gay!!

Punto, linea e superficie

Ciao a tutti!
In questo nuovo post parlerò di una tecnica chiamata "punto, linea e superficie"!
E' la prima esercitazione fatta usando la macchina fotografica:
È anche la prima tecnica utilizzata per una buona composizione di una fotografia;
Consiste nel saper gestire bene lo spazio nel momento in cui si inquadra prima di scattare, in modo da gestire bene lo spazio e l’ordine giusto degli elementi inquadrati, in modo da non far sembrare troppo incasinata la fotografia.
Dal nome, appunto, “punto, linea e superficie” questa esercitazione consisteva nel ricercare qualcosa da ritrarre, che riprendesse queste tre parole: trovando un punto, una linea e una superficie, più o meno trovare due elementi non troppo complessi e collocarli su uno sfondo.

Ecco a voi le foto che ho scattato!

Grime Art

Ciao a tutti!
In questo nuovo post vi parlerò di un lavoro ideato da noi studenti, chiamato GRIME ART!

Si tratta di prendere una foto a piacere di qualcuno o se stessi e andare a modificare la pelle, su Illustrator, tramite il tracciato e creare un effetto stile zombie-gelato che si sciogliere, come se la pelle stesse colando, creando dei trattati appunto a forma di goccia, per poi colorare la pelle con colori diversi e strani. Aggiungendo poi le varie ombre pre far sembrare più realistica l'immagine.

ecco a voi il mio lavoro!

Tecniche di ripresa fotografica

Di nuovo ben tornati in questo blog!

Il post di oggi spiegherà le tecniche di ripresa fotografica, ovvero profondità di campo e movimento.

Cos'è la profondità di campo?

Di preciso è lo spazio entro il quale ciò che è inquadrato viene messo a fuoco. Viene utilizzato quando vogliamo mettere in evidenza il nostro soggetto e sfocate lo sfondo, ed è caratterizzato da tre fattori:

● L'apertura del diaframma

 - la profondità di campo diminuisce all'aumentare dell'apertura del diaframma;

● La distanza di ripresa

 - la profondità di campo sarà maggiore aumentando la distanza di ripresa, così come diminuendo la distanza di ripresa, la profondità di campo sarà minore;

● La lunghezza focale dell'obiettivo

 - In base all'obiettivo che si utilizza: utilizzando un grandangolo che riesce ad inquadrare più cose la profondità di campo sarà maggiore, utilizzando un teleobiettivo che inquadra meno cose, la profondità di campo è minore.

● Le dimensioni del sensore

 - In fase di scatto non si può cambiare il sensore.

Ecco alcuni esempi:

f: 5,6
t:1/30
iso: 200

Per fare in modo che la profondità di campo risulti minima, in questo caso, ci siamo avvicinati al soggetto, diminuito la distanza di ripresa, aperto al massimo possibile il diaframma, lavorato con una lunghezza focale maggiore di 50 mm e messo a fuoco il soggetto principale e fuori fuoco quello sullo sfondo.

f:22
t:1/30
iso:3200

Mantenendo la distanza focale e la distanza di ripresa uguale, chiudendo però il diaframma, aumentando la profondità di campo. Si ottiene cosi lo stesso risultato di prima ma col soggetto sullo sfondo più definito.

f:5,6
t:1/30
iso:200

Aggiungendo un terzo soggetto al centro tra gli altri due e mettendolo a fuoco, notiamo come la profondità di campo si estenda anche sugli altri due soggetti. (1/30 davanti e 2/3 dietro).

Parliamo ora di MOVIMENTO!

Se si vuole congelare/ritrarre un movimento, è importante lavorare sul tempo; per congelare un movimento si impiega un tempo breve, per poter ottenere il proprio soggetto ben definito. 

Per ritrarre, invece, un movimento bisogna impiegare un tempo lungo. Ottenendo cosi il nostro soggetto mentre compie l'azione. (in questi due casi il movimento della mano).

f:11
t:1/250
iso:100

f:22
t:1/30
iso:100

Capire la luce in fotografia

Ciao a tutti, sto facendo questo post di fretta perché la prof sta correggendo i blog!!

Comunque, in questo post parlerò di come capire la luce in fotografia, ovvero:
creare una foto correttamente esposta.

Per fare questo bisogna rispondere a tre domande fondamentali:

1. Che tipo di luce c'è?
2. Come la luce illumina il soggetto
3. Quanta luce c'è?

Alla prima domanda rispondiamo col BILANCIAMENTO DEL BIANCO (WB), per bilanciare correttamente la foto in base alla luce che c'è, e ricreare la foto senza toni troppo caldi o freddi.

Alla seconda domanda si risponde utilizzando le modalità di misurazione della luce, ovvero Matrix, Spot, Valutativa, in base all'ìinquadratura che vogliamo fare e alla porzione di campo.

Alla terza invece lavoriamo sui Tempi, Diaframma e Iso, per bilanciare correttamente l'immagine.

Ecco a voi le mie foto!

f / 5,61/ 125
ISO 1600
Modalità di ripresa: Spot

f / 5,6  1/ 200
ISO 800
Modalità di ripresa: Spot

f / 100   1/ 500
ISO 100
Modalità di ripresa: Spot
Effetto ottenuto: effetto silouette

Pop Art

Bentornati!

In questo nuovo post vi parlerò della pop-art.

Un lavoro realizzato su Photoshop ispirandoci a un'opera di Andy Warhol, ovvero di scegliere un soggetto e impostarlo su un foglio diviso in quattro parti, scontornarlo con lo strumento penna e cambiare i colori a tutte le foto. Per cambiare i colori ho utilizzato Color wheel, che si può trovare su internet, e ti abbina tutti i colori ed associarli a tutte e tre le foto nei riquadri, tranne per la prima che resta con i colori originali.

Ecco a voi il mio lavoro! 

Soggetto: cantante della band Green Day.

Esercizio saturazione

Ciao e bentornati!

Oggi spiegherò un esercizio svolto su Photoshop sulla saturazione di tre immagini diverse.

Bisognava scegliere tre immagini adatte a questo esercizio: una con il soggetto a fuoco e lo sfondo abbastanza sfocato, in modo da selezionare il soggetto e rendere la sua saturazione più alta e vivace, e il contrario invece con lo sfondo, desaturandolo il più possibile.

La seconda foto da scegliere doveva a vedere un soggetto che andandolo a modificare su Photoshop sarebbe rimasto coi i suoi colori originali e invece lo sfondo totalmente desaturato (in bianco e nero); mentre per la terza foto il procedimento è lo stesso ma al contrario, col soggetto desaturato al massimo.

Ecco a voi i miei lavori

immagine con sfondo desaturato al massimo

immagine con soggetto saturato e sfondo desaturato

immagine con soggetto desaturato al massimo e sfondo saturato

Collage tonalità

Ciao a tutti,
Oggi è un nuovo giorno e vi racconteró di questo nuovo esercizio sulla tonalità delle immagini.
Ciò che dovevamo fare era scegliere in tutto 16 immagini: 8 da impostare su una griglia a destra e 8 a sinistra. Le due parti dovevano contenere immagini che avessero tutte e due tonalità di colore diverso. Io ho scelto di usare due colori pastello.
Ecco a voi!

Foto d’autore

Ciao a tutti,
Nel post di oggi vi mostreró alcune fotografie che mi hanno colpita particolarmente di un fotografo in particolare che il prof manfredini ci ha fatto vedere.
Almeno ogni giorno a settimana ci mostra un fotografo alcune delle sue foto migliori, spiegandoci il suo stile e i suoi soggetti “preferiti”, dopo averci dato la lista di tutti i fotografi che abbiamo visto fino ad oggi, il mio compito era di scegliere quello che mi ha colpito di più e spiegare il perché.
La mia scelta è stata quella di Luigi Ghirri, un fotografo italiano che inizia a fotografare nel 1969.
Per tutti gli anni settanta procede componendo serie evocative dei vari temi della visione: l’immagine naturale e quella artificiale, l’ambiguità del paesaggio contemporaneo, la citazione della storia, l’immaginario del consumo.
Ho scelto lui in particolare perché le sue foto rispetto agli altri mi hanno colpito molto per la semplicità degli oggetti fotografati, e per le fotografie col colori desaturati, che personalmente credo attiri di più rispetto alle fotografie normali. 
Ecco alcuni suoi scatti!